Fe Vitti' Flying Circus

Reinventando

2011-12-08T11:03:00.001-08:00

Há alguns bons anos atrás eu fiz uma ilustração no software Illustrator baseado numa imagem da atriz Mena Suvari. Trabalhei um pouco mais na finalização e o resultado foi essa imagem abaixo.

Caçando e analisando-o depois, percebi que seria bem interessante se eu desse uma "atualizada" nessa arte, usando como base a original. Trata-se de um trabalho autoral numa versão mais "updated & upgraded". Eis o processo:

Eu aproveitei a "carcaça" do vetor original e refiz os brushes, para dar uma aparência mais solta e desenhada. Daí pra frente foi só novidade, então criei mascaras e fui fazer a pós produção e finalização no Photoshop, onde comecei a trabalhar degradês, retículas e outros efeitos que tinha planejado.

O fundo eu criei também em vetor no Illustrator. Foram vários shapes paralelos, de diversas cores, onde depois apenas rotacionei para ficar em diagonal na composição.

O mais interessante era poder ter no final dois trabalhos em um (meio parecido com a proposta do primeiro).

Nesse caso, as únicas cores pre definidas mesmo eram dessas paralelas... precisava então a partir de agora continuar com a ilustração do rosto mas de uma forma não muito convencional, que seria adequar o equilíbrio de cores com base nessas previamente criadas com os retângulos.

Usei alguns elementos orgânicos para a arte em geral e tava meio complicado de equilibrá-los todos no começo. O conceito que usei foi misturar elementos na ilustração da pop art e no resto da composição do construtivismo russo, meus dois movimentos prediletos e mais inspiradores. E tentar juntá-los todos - mesmo sem pretensão - para ter um resultado estético que não fosse uma bagunça só tava ficando meio chato

Mas enfim, depois de eu trabalhar as sombras e volumes do rosto e fazer primeiras aplicações com a textura base do fundo, eu reuni todas as peças e finalizei minha mais nova e atual versão da ilustração:

Eu acabei preferindo esse novo, porque eu realmente me dediquei mais nesse que o anterior e por estar um pouco mais atualizado, com referências mais concretas.
Mas, ganhei 2 artes por uma só. :)

Livros Compartilham Sonhos

2011-09-05T05:00:00.000-07:00

Na postagem de hoje, publico um desenho autoral que fiz para o material desse ano. Eu tenho me aventurado - e adorado - produzir um material usando elementos orgânicos no meio digital. Aliás, essa sempre é minha intenção ao usar ferramentas de softwares.

Essa arte surgiu de um layout não aprovado, mas que eu havia guardado pois gostei da ideia e sabia que ia acabar usando em outra oportunidade. esta surgiu quando continuei a criar ilustrações para fazerem conteúdo para o website do estúdio.

Como todo trabalho, eu sempre começo ou em algum momento traço a estrutura do desenho a lápis. Nesse caso, a estrutura teve 2 etapas: uma a lápis, na concepção e outra digitalmente, no redesenho das formas, para dar mais geometria para o desenho.

Já que o tema era sobre literatura, eu desde o início sabia que precisaria explorar ao máximo o potencial de texturas de papel ou recortes. Foi praticamente um trabalho artesanal no meio digital, pois eu fiz recorte no software de peça por peça para gerar esse resultado artístico.

Levei alguns dias, algumas tentativas e erros, mas o final foi essa arte bem lúdica e orgânica. Utilizei técnica mista para esse trabalho, com softwares vetoriais e bitmaps. E a experiência valeu para me estimular a arriscar em outros similares...

Bom, como é um trabalho autoral,. aceito críticas e sugestões. Fiquem a vontade para comentar, quando quiser.

Gramática Delicada

2011-08-15T10:30:00.000-07:00

Na verdade essa ilustração é uma continuação. Foram duas artes para ilustrar um texto institucional sobre conjunções adversativas. A primeira remetia à bagunça que as pessoas causavam, então fiz uma arte bem solta, traços relativamente pesados, um tanto despretensiosa.

Nessa outra parte, por se tratar de colocar "os pingos nos is", achei que ia caber algo mais fino, um toque de formalidade, acabamento delicado.

Desde o início pensei: bom, dessa vez, pela organização, preciso colocar uma mulher na história. No layout, apenas para sugerir a ideia da cena, deixei bem claro que ia ter uma moça alí. A base, claro, foi a arta a lápis da garota em questão.

Durante o desenvolvimento, resolvi levar mais a sério: por que não fazer uma arte mais feminina? Confesso que as vezes gosto de me arriscar por esses lados, pois flerto muito com a leveza de alguns trabalhos de mulheres ilustradoras. Mas ironias a parte, esse foi inspirado um pouco no trabalho do Shag, que é bem homem (até onde eu sei).

O resultado lembrou um pouco o de um trabalho autoral que eu em breve publicarei aqui, mas que simula digitalmente colagem e recortes. É um estilo que aos poucos eu estou desenvolvendo e pretendo ver até onde eu preciso ir para chegar no que eu vou considerar "trabalho matriz", para então usá-lo como base definitiva de técnica para os posteriores.

Voltaremos após os comerciais.

A Evolução do Homem

2011-08-04T12:55:00.000-07:00

Essa semana o novo site do Estúdio Tris está no ar e acabei aproveitando para atualizar meu conteúdo por aí. Postei novas artes no Behance e de embalo fui convidado para experimentar o ProSite. Já que eles estão com trabalhos frescos lá, tava mais do que na hora de fazer as vezes daqui.

Esse trabalho que publico hoje é autoral, feito para uma extinta seção no site, mas que vale como um humor criativo e para o portfolio. Também está no Behance, mas aqui falo um pouco mais sobre ele e em português, claro.

A ideia para essa ilustração foi fazer uma paródia com a famigerada ilustração "Marcha do Progresso" de Rudolph Zallinger, que faz referência a teoria da evolução de Charles Darwin. A "piada" aí foi não só fazer o "homem de hoje" estressado e ao celular, carregando uma maleta, mas apontar essa disparidade do homem moderno usando uma arte mais caricata, menos formal. É algo como se o homem evoluísse para a caricatura, falando num grosso modo.

Para o desenho da Marcha, eu usei a referência de Zallinger, mas acabei redesenhando-a toda. Então, se você acha que isso é uma foto-montagem, pode esquecer. Deu um certo trabalho, mas achei bem melhor do que simplesmente pegar a imagem dele e editar figura por figura no photoshop. E também, não tinha por que me dar ao trabalho de "micreragem" se eu sei desenhar. :)

Ok, ok. Já fizeram milhares de paródias. Não é uma original, mas é a minha paródia. Eu precisava ter a minha vez, certo?
Mas enfim, o trabalho está concluído e também pode ser visto no Portfolio virtual, na sessão "Caricaturas/Retratos", mas numa outra versão.
Até o próximo post.

A Arte de Robert Fawcett

2011-05-25T13:11:00.000-07:00

Robert Fawcett (1903-1967) é um ilustrador londrino formado na Slade School of London University. Fawcett é mais um dos ilustradores que alcançaram um perfeccionismo em seus trabalhos mantendo uma disciplina rigorosa em seus estudos. A Slade School era famosa pela abordagem severa e implacável, que rapidamente eliminava os ilustradores mais fracos e preguiçosos. Uma das lições de Fawcett era desenhar figuras humanas usando apenas o 4H, sem borrachas e gravar proporção e perspectiva a olho nu.
Em1924 ele mudou-se para os Estados Unidos, onde começou sua carreira de ilustrador publicitário e editorial e conseguindo destaques em ambos mercados, principalmente pela sua variedade de técnicas e estilos (apesar de nunca ter tido aula de pintura).
Fawcett está entre os grandes ilustradores do mundo, sendo sempre reconhecido e extremamente requisitado, principalmente nas décadas de 1940 e 50. Fawcett morreu sendo considerado o "ilustrador dos ilustradores".

Livros Lançados: "On The Art of Drawing" e recentemente, "Robert Fawcett: The Illustrator's Illustrator".

Mais Institucionais

2011-02-01T13:11:00.000-08:00

Mês novo, postagem também.

Esse foi um trabalho institucional que foi relativamente "simples", mas bem interessante produzir. O briefing pedia uma certa "didática" nas ilustrações e sugeria que eu seguisse um determinado estilo o qual já havia trabalhado em outra oportunidade. Aliás, o cliente se identificar com um estilo seu para a produção de determinada peça é sempre algo muito bem-vindo na minha opinião.

Como já conhecia o estilo, enviei os layouts apenas como sugestão de ideias para aprovação, o que otimizou muito o tempo do trabalho (já que seriam mais de 10 peças em cerca de 10 dias).

Como a sugestão do trabalho indicado era bem tradicional, meu foco inicial era qual o tipo de material eu ia usar e quais recursos digitais eu aproveitaria, caso necessário.

Eu então fiz os esboços usando lápis 2B e finalizei com pincel fino, preto mesmo. Até aí, sem grilo algum.
Inicialmente eu pensei em finalizar usando ecoline ou outra tinta com acabamento de aquarela, mas como o acabamento da arte referencial era digital, resolvi partir pro software mesmo, mas buscando ao menos uma pós-produção mais trabalhada que o original.

Abaixo eu publiquei algumas das ilustrações aprovadas. Algo que também levei em consideração foi de que mesmo trabalhos que numa primeira vista pareçam bem básicos, sempre tem o potencial de ser mais aprendizado para você, independente de quantos recursos foram utilizados ou quanto tempo você levou para terminar.

Ano novo, ilustrações passadas

2011-01-13T12:05:00.000-08:00

Ano novo, tudo novo. Muita coisa mudando, inclusive o blog. Aprovetei os novos recursos do blogger e renovei o visual. Optei por usar meu nome de assinatura, pois descobri que há por aí solto outro Vitti que ilustra e não quero "confusões". Eu na verdade assinava como F. Vitti, mas parece formal e impessoal demais. Vamos ser "chegados". Hehehe

Também incluí ao lado novos links, alguns de amigos ilustradores, outros de artistas que admiro o trabalho, etc.
E sem mais enrolação, posto hoje uma ilustração pessoal que fiz em 2009, mas para portfolio de 2010.

Essa arte teve um início curioso, pois eu achei uma foto de uma modelo com roupas de época bem interessante e resolvi já durante o layout, fazê-la desfacelando, como cinza de cigarro.

Quando fui para a ilustração propriamente dita, a ideia inicial era talvez trabalhar somente em preto e branco, no máximo tons de cinza. Então todo o terreno foi preparado para isso, deixando a imagem em alto contraste, apenas com cores absolutas.

Para variar, achei que só o PB estaria muito vazio, então resolvi preecnher de duas formas, sendo uma em tons de cinza (fazendo ainda uma referência aos anos 1940) e uma com uma palheta de cores vintage. Saíram então esses dois resultados:

Acabei pegando gosto pela versão colorida, mas resolvi então fazer o serviço completo, desde detalhar mais a pintura até criar um background "temático". O vinho estava destacando demais a roupa dela, então precisou ser rebaixado. O fundo verde não estava agradando mais, talvez um tom mais envelhecido para não perder a identidade. Usei alguns filtros e pinceis do Photoshop e aqui abaixo está o trabalho finalizado.

O que mais gostei nesse desenho, foi que resgatei alguns estilos de traço que costumava a trabalhar, mas usando softwares e recursos que não tinha tanto domínio até então. Criar essa ilustração foi muito mais uma "aula digital" do que qualquer outra coisa. Usei uma mídia de papel digitalizada, brushes vintages, pincéis digitais dos mais variados estilos (prontos ou criados), patterns e por aí vai.

Mas, como sempre, usando as ferramentas que o computador oferece ao meu favor e do jeito que quero. Conversei com alguns ilustradores conhecidos sobre isso há alguns dias e realmente acho que o grande lance de você trabalhar com softwares é você adequa-lo às suas características e domínio técnico tradicionais. Se vocês lerem meus post antigos verão que eu sempre prezo por isso. Acho uma besteira você deixar os filtros e pincéis digitais prontos dominarem seu estilo. Sempre deve adapta-los à você e nunca o inverso.

Como esse ano estou animado, penso em postar mais do que o "costume". Para isso vou depender apenas de tempo "ocioso", mas esse novo visual do blog dá uma estimulada a mais. :)

Ah, e antes que eu me esqueça. Um ótimo 2011 a todos que visitam aqui e prestigiam meu trabalho. Fiquem a vontade para trocarmos figurinhas.

Quem tem medo da porcentagem?

2010-12-20T13:09:00.000-08:00

Ano acabando, as coisas mais calmas, quero deixar 2010 com pelo menos mais uma postagem. Se é a última, só vou descobrir em 1º de janeiro.:)

Hoje vou publicar aqui uma ilustração que não fiz sozinho, já que defendo trabalho em equipe (claro que depende da equipe e do trabalho) e achei legal mostrar um job que cuidei e tive a contribuição do Flávio.

É uma ilustração institucional, mas com ares de editorial. O briefing era basicamente desmistificar algumas regras gramaticais para concordância envolvendo porcentagem, provando que não era um “bicho de sete cabeças”.

O layout sugerido foi de uma criancinha que “domesticou” seu bicho da porcentagem.

Aprovado, passei direto para o papel e nesse momento já houve alguns dedos de ajuda nas “caricaturas” do dragão. Antes que me esqueça, todo desenho é feito no clássico “lápis e papel”. Em alguns trabalhos não dá para abandonar essa “técnica tradicional”

Já para a arte final, trabalhei no digital. Usei alguns brushes do Illustrator e uns que eu mesmo criei. Particularmente, a preferência é puramente estética, mas acho que ficaria legal essa arte final tanto no digital quanto no pincel ou caneta. Mas para esse resultado bem clean, eu ainda prefiro o vetor.

A cor, o mérito é do Flávio. Eu quis que ele usasse uma técnica que ele fez num trabalho anterior e que com certeza encaixou perfeito nesse.

E o resultado final: voilá!

O trabalho foi publicado num tamanho ainda menor que esse. Isso limitou para a criação de mais elementos ou mais riqueza ainda nos detalhes, mas não acredito que ficou um trabalho “pobre”.

Na minha concepção, o sucesso do trabalho depende muito mais que a sua satisfação, a do cliente. Regra meio básica, mas que muita gente esquece ou ao menos nem faz questão de seguir.

O cliente sempre tem razão? Talvez, mas se o trabalho é para ele e ele está feliz, eu também.

Oldies But Goodies (parte II)

2010-11-11T09:45:00.000-08:00

Há alguns poucos meses atrás eu andei vasculhando na casa dos meus pais, mais precisamente no meu "quarto de hóspedes", minhas coisas antigas. Sim, por que é lá que ficam atualmente meus arquivos, de todos os gêneros.
Enfim... numa primeira vasculhada eu achei alguns trabalhos que desenvolvi nos meus primeiros anos de curso de desenho e uns até mais pro final do curso. Houve uma época em que eu nem frequentava mais as aulas, mas acabava aparecendo lá, pelo próprio vínculo que criei com a escola em geral.
E acho que foi num desses momentos, mais precisamente em 1996, que eu acabei fazendo um desenho de observação que, na época, me agradou muito. Eu não lembro exatamente de quem era a referência, mas lembro de ter penado um pouco, pois eu já tinha "perdido a mão" para desenhos somente na base do grafite. Provavelmente nesse eu usei um 2B, 6B e talvez um integral da Cyklop. O desenho é esse:

Engraçado como hoje eu só exergo defeitos nessa arte. A proporção está toda torta, há falhas no sombreamento, traços pesados em alguns degradês, contornos marcados e forçados... mas as vezes comparo-a com a de outras pessoas que estão por aí no mercado, procurando trabalho e não consigo achar nada parecido. talvez por que algumas se recusam a passar por etapas como essas.

Caricaturas e Cia.

2010-10-05T15:49:00.000-07:00

Eu comecei a fazer caricaturas em eventos em 1995, ainda em Piracicaba - SP, meio que por acaso. No ano anterior, eu e alguns amigos lançamos um fanzine (chamado "Mocréia") numa exposição do estúdio de desenho que cursávamos. Na ocasião, armamos - assim como os outros alunos - uma bancada para vender nossas "obras". Nessa época, Lino Vitti, um parente da família e poeta da cidade curtia demais o fato de mais um "Vitti" seguir alguma profissão artística. Quando ele veio prestigiar o evento, pediu para eu fazer uma caricatura dele, só que eu não fazia ideia nem como começar. Então, ele ficou de perfil, para "facilitar" e eu comecei a riscar a folha. Para a minha surpresa (e nem tanto a dele), a caricatura saiu.
Então aos poucos eu fui praticando e praticando. Surgiram os eventos organizados pelo estúdio, com um intuito de divulgá-lo e apresentar os novos artistas e eu sempre estava no meio. Chegava até a ser ridículo, um pirralho, menor que a própria caneta, no meio daqueles marmanjos e aquele mundaréu de gente.
Mas o mais interessante é que eu estava praticando não só a caricatura, mas a habilidade de desenhar, de observar elementos e de expandir estilos de traço. Tudo isso sempre diretão, papel branco e uma pilot preta na mão. Ao vivo, o mais rápido que pudesse (aliás, foi com a caricatura que eu consegui ter mais dinâmica nas ilustrações).

Foi assim, contínuo até 1998 mais ou menos. Depois disso fiz algumas coisas esporádicas, uma ou outra caricatura sob encomenda aqui e alí e parei.

Eu engatei a primeira de novo em 2008, quando já tinha (re)iniciado meus trabalhos como ilustrador. Confesso que não esperava estar tão enferrujado quando surgiram os primeiros trabalhos e mas também não imaginava que fosse "pegar a manha" tão fácil.
Daí pra frente apareceram também trabalhos para empresas, o que depende de um departamento de marketing ou RH com um case bem redondo em mãos para que toda a ideia funcione.

Fazer caricaturas é tão desafiante quanto qualquer outro trabalho. Ela só funciona se a pessoa está parecida. Se não parece, não rola. Sem contar que não entra na minha cabeça o fato de que alguém não precisa necessariamente desenhar para fazer caricatura. Só se for para fazer uma bela porcaria.
Dessas minhas caricaturas, principalmente as em "real time", é claro que tem algumas em que nem eu engolí, mas por sorte, a grande maioria sempre foi bem recebida.
Até um tempo atrás, eu achava que caricatura pra ser presenteada e guardada, precisava ser feita sob encomenda, colorida, toda bonitinha. Mas a verdade é que todas, até aquelas em que você nem dá tanto valor, sempre terá para alguém (geralmente o caricaturado).
Recentemente, me alegrou muito a notícia de uma pessoa que não só tem um desenho meu desses primeiros anos emoldurado e pendurado na parede, como pinta até um ciúmes em quem mexe naquele mimo. Quando soube, quis ver e até pensei em sugerir uma troca por um mais "atualizado", certamente com maior qualidade e acabamento. Mas é uma besteira minha, por que por mais que eu refaça tantos outros melhores, AQUELE tem também seu valor. Para mim também, pois é gratificante ter a prova de que assim como essa, outras ilustrações sempre fazem parte da vida das pessoas.

A Nossa Turminha - Since 1992

2010-08-24T13:55:00.000-07:00

No post de hoje apresento uma "recapitulação" de alguns personagens que criei em 1992. Originalmente eles foram inspirados em amigos da minha infância (conceitualmente) e nos desenhos da Warner (estéticamente). Nessa época eles chegaram a figurar em algumas tiras de jornais da minha cidade natal, mas foi só. Mas ainda existem e independente de qualquer midia, eles fazem parte de mim, como qualquer criação deve ser. Afinal, filho é pra vida toda.

Nesse "revival" cuidei de rever algumas personalizações e características psicológicas, mas preferi manter o traço e estilo original, independente de qualquer apelo ou tendência comercial. Enfim, com "pretensões equilibradas".

A única atualização foi na criação de novos personagens. Alguns eu havia nunca usado, então tomei essa liberdade de reinventar, baseado sempre no conceito original. E isso foi uma experiência bem interessante. Foi como se toda a lógica que eu tinah comigo agora se mostrasse "útil", afinal, eu era apenas só mais um moleque que sabia desenhar.

Enfim, criar personagens profissionalmente é um trabalho para poucos. Imagina "recria-los". Mas sempre é uma tarefa prazeirosa onde você acaba descobrindo cada vez mais até sobre si mesmo.

Unidos Venceremos (?)

2010-06-10T14:20:00.000-07:00

Eu sempre fui de trabalhar com conjunto, seja cada um fazendo o seu melhor ou dividindo autoria e produção. Foi assim, por exemplo, com a tira em quadrinhos "Big & Bill" (atualmente sem mídia para publicação).
Quando você trabalha em um estúdio, dividindo espaço com outros profissionais, isso não só é comum, como as vezes se faz necessário.
Estou publicando abaixo uma obra que fiz junto com o Leo Bastos, 100% "artesanal" (já que agora precisamos especificar o que é digital e o que não é).

O personagem é o "Godinho", que faz parte do projeto infantil do estúdio. Abaixo tem mais imagens do moleque:

Essa ilustração, por ter sido tudo manual, me fz ter um trabalho redobrado, já que o computador faz a gente viciar no "Ctrl + Z" ou "Cmd + Z". Foi feito um esboço a lapis num papel de aprox. 50x40 e então o Leo cuidou de pintar com tinta acrílica. Assim que acabou, finalizei com um permanent marker preto, para segurar um pouco a cor e manter a identidade da ilustração.

A imagem que anexei é uma foto digital (pq digitalizar um papelão desses num scanner a4 tem que ter muito tempo e saco) tratada "malemá", mas que já quebrou um galho para postar aqui e deixar pelo menos o Leo feliz. :)

Senhoras e Senhores, conheçam: LUIS GARCIA MOZOS

2010-05-24T12:43:00.000-07:00

Há algum tempo venho pesquisando e observando trabalhos e estilos de ilustradores consagrados ou donos de um portfolio de dar água na boca, principalmente os "mestres" ao redor do mundo. Um que conheci recentemente, mas de cara já me apaixonei pelo trabalho foi Garcia Mozos. Luis Garcia Mozos é um artista espanhol, nascido no final da década de 1950, que entre outros acontecimentos, teve o privilégio de conhecer John Lennon e Salvador Dalí. Teve também inúmeras publicações e passou por diversos estilos e escolas.

Salvador Dalí, amiga e Luis Garcia Mozos (1973)

Garcia criou artes para a Heavy Metal e chegou a co-editar na década de 1980 uma revista chamada "Rambla", que misturava Sci-Fi com Terror e as vezes até humor. Entre os artistas que também participavam estavam inclusive Alberto Breccia e Guido Crepax (ambos já falecidos). A história conta que Garcia chegava a dormir 4 ou até 2 horas apenas devido ao montante de trabalhos que administrava. A publicação chegou ao fim em 1985, devido a uma crise econômica que a Espanha enfrentou. Garcia, que estava envolvido praticamente com publicações editoriais e quadrinhos, voltou-se para as artes plásticas (onde também passou outros perrengues) até ser contratado pela Galeria Horrach Moya.
Atualmente passa por alguns problemas de saúde, mas busca uma nova fase de criatividade, com a representação de uma galeria Norte-Americana.

Na minha opinião, o que mais me chama a atenção no trabalho de Garcia é sua versatilidade e mistura de estilos e influências (desde Pepe Gonzalez e Jordi Longaron nos quadrinhos até Velázquez, na pintura). Ele consegue produzir várias obras ao mesmo tempo sem necessarimente ser identificado. Seu domínio de técnicas é impressionante e sua qualidade final é de brilhar os olhos.

Abaixo um pouco do seu trabalho (em ordem quase cronológica):

Vendo trabalhos assim (e até um pouco do sufoco que Garcia enfrentou ao longo do anos) eu me pego pensando: como tem ilustrador reclamão sem moral nenhuma para fazer isso. Sem contar que vira uma piada você pensar em trabalhos desse nível pelo país afora. Eu consigo contar nos dedos quem possui essa qualidade (e olha que o Garcia nem é o maior artista de lá)... alguém consegue contar mais?
E é claro que isso serve de auto-crítica também, mas a diferença é que eu aceito e busco fazer minha parte...

Todos os trabalhos dessa postagem são de autoria e propriedade de Luis Garcia Mozos

I Can Hear Music - Técnicas de guitarra ilustradas

2010-04-06T14:06:00.000-07:00

Já estamos em Abril e essa é apenas minha segunda aparição em 2010 por aqui. A justificativa só pode ser produção, mão e mente ocupadas, e acabei deixando o blog de lado.
Mas não esqueci. Prometi a mim mesmo que assim que a fornada saísse, ia publicar alguns trabalhos aqui. Ao menos os que eu julgasse interessante.
Das novas produções, uma que gostei muito de criar e desenhar foi a ilustração que chamo de "Guitar Techniques" (técnicas de guitarra). Já aviso de antemão que não sei nem tocar um mísero acorde no violão e mal sei ler uma tablatura, mas como gosto de Rock e Heavy Metal, achei apropriado fazer um desenho sobre esse tema (música), mesmo que ele não fosse de algum especialista.

De início, pensei apenas em fazer um guitarrista - com pose e tudo - e trabalhar nessa única imagem. Mas acabei empolgando e resolvi fechar uma arte só com 4. O mais "maçante" foi pensar nas técnicas e posições para os desenhos. O resto já estava pronto na cabeça... o título lateral, a técnica que ia utilizar, estilo, etc.
Separei uma das 4 ilustrações para explicar o processo (ta aí logo abaixo).
O padrão foi basicamente o mesmo para todas:

Eu gosto muito mesmo de trabalhar com referências. Houve uam certa época em que abominava isso e achava que ela tirava a criatividade do ilustrador. Isso é uma besteira, mas principalmente se você souber utilizá-las decentemente.
Enfim, para todas as artes eu busquei referências. Umas eram de revistas, outras pela internet mesmo. Nesse exemplo que posto, a imagem foi baixada da internet, não me pergunte qual site...

Eu separei a imagem e fiz um esboço da estrutura do guitarrista (achei a perspectiva original meio ingrata) e então no computador mesmo eu fui delinenando e finalizando (usando tanto adobe photoshop quanto adobe illustrator). Quando acabei de criar os traços, fiz as sombras e preenchimentos; na etapa final, apliquei alguns filtros, ajustes de cor e para o fundo fiz uma montagem com estilos de brushes.
Para o texto, eu quis praticar um pouco de tipografia e tentei buscar (e trabalhar em cima de) umas fontes que achava ao menos ter um pouco de alusão com a arte + técnica (de guitarra).
No final deu um certo trabalho, demorou algumas semanas (entre paradas e continuações), mas consegui chegar onde queria. Não sei se terei tempo - ainda mais por ser um trabalho de certa maneira autoral - mas pensei em fazer o mesmo esquema utilizando todos os "membros da banda" (técnicas de baixo, de vocal, bateria).
Bom, pelo menos alguma arte só de uma banda já dá pra pensar com mais tranquilidade.

Postura profissional e minha "Curly Girly"

2010-01-11T10:36:00.000-08:00

Primeiramente, um Feliz 2010 para todos os que passam para ler minhas postagens nesse mundo povoado que é do blogger. Como já disse em publicações passadas, não tenho pretensões com esse espaço, a não ser de mostrar meu trabalho e dar alguns toques para ilustradores interessados em se profissionalizar. Então, imagina que algumas visitas aqui, já me deixam grato, por que não tem nem como pensar em competir com tantas outras postagens de profissionais da área. Ao menos qualitativamente falando.

Mas é um pouco disso que quero fazer nessa primeira publicação do blog nesse novo ano. Afinal, o que é ser profissional de ilustração? É ter ótimos trabalhos? Ter seu nome reconhecido no meio? Ter ética e respeito com clientes e profissionais?

Eu acredito ser um pouco de tudo e algumas outras coisas. Uns itens muito, outros nem tanto. Enfim, o que você precisa é não se portar como um messias, mas possuir qualidades de qualquer outro profissional em qualquer área.

Digamos que você seja um garçom. Sua função é atender bem, ser educado e atencioso com os pedidos do cliente. Mas você também precisa saber equilibrar pratos em cima de uma bandeja, servir uma bebida, memorizar os itens do cardápio e se possível, o nome do cliente preferêncial. Se você é chefe dos garçons, sua responsabilidade aumenta, pois você precisa estar de olho se os outros estão cumprindo as funções corretamente, além de contribuir para preservar a imagem do estabelecimento. Mas taí uma carreira que não é tão fácil achar bons profissionais. Conheço histórias de bares que fecharam justamente por que não conseguiam achar mão-de-obra qualificada.

Mas aí que está o grande lance: um garçom de restaurante requintado precisa de uma boa formação ou especialização, anos de crescimento profissional e um bom currículo que permita-o ter os requisitos necessários para trabalhar para grandes estabelecimentos. Alguém faz idéia de quanto ganha um garçom do Fasano? As vezes são pessoas simples, mas que tem justamente o perfil e as qualidades que não só o dono do restaurante deseja, mas o cliente.

No meu raciocínio, para você não só ter seu espaço no mercado, mas merecê-lo, é mais que obrigatório você fazer sempre a lição de casa. Aprender o tempo todo, nunca achar que já sabe o que precisa e principalmente, estar disposto a se atualizar, inovar, mas de um jeito decente. Nunca esqueça que a moda é sempre passageira, ela vem, marca seu território e, assim como o ser humano, ela evolui e precisa deixar para trás o que uma vez foi sua presença.

Trocando tudo isso em miúdo, o que você precisa saber é que ninguém fará algo por você, a não ser você mesmo. Foi um pouco desse pensamento que me fez querer criar uma ilustração inspirada no design infanto-juvenil... feminino.

Há muitos anos atrás, eu tinha aquela cartela de ilustrações e aquilo era meu trabalho e o que eu tinha para ser mostrado. Até que percebi que muitas coisas eram variações do mesmo. Por exemplo: meus desenhos "maduros" tinham a mesma cara das ilustrações de HQ. Meu storyboard tbm. Meu cartum, todos eles tinham a mesma cara, mesma influência. É claro que muitos entendem isso como "identidade", mas a identidade de sua ilustração vai mais além.

Me desculpem os puritanos, mas eu não considero o talento mais imprescinsível do mundo você ter um estilo único. Do tipo, você só fazer cenários hachurados e qualquer coisa que precise sair disso você evita. Para alguns segmentos do mercado, isso até é considerado uma vantagem sobre outros, mas a não ser que você queira explorar mais mercados e se tornar um ilustrador versátil, fixar-se numa só linha é o pior negócio.

Eu então resolvi dar uma checada no que havia em meu portfolio e percebi que eu não possuia nada de conteúdo infantil, muito menos feminino. E então me propus o desafio de criar uma ilustração nesse estilo, baseado em influências que eu já tinha e no estilo vigente do mercado. Minha inspiração inicial foi algo entre Betty Boop e Hello Kitty, então rabisquei num papel o que eu chamo de rough/sketch (que seria um layout prévio, mas já esboçado para começar a ilustração oficial) e fui manipulando as formas/shapes no programa vetorial Illustrator.

Depois, para dar o acabamento, resolvi fazer uma arte que fugisse um pouco do estilo que pretendi inicialmente. Eu sempre gostei de montagens e colagens. E me veio a mente um pouco umas ilustrações em acrílico de um artista muito bom que conheci nos tempos de faculdade, chamado Shag em que parece simular algumas colagens também. Apesar de eu estar trabalhando digitalmente, tentei puxar para esse lado mas no computador.

É óbvio que o resultado nem se compara. Você precisa fazer muitas "trapaças" para dar uma certa "organicidade" em trabalhos digitais. Eu concluí um pouco desse trato no Photoshop, já que você pode manipular mais algumas texturas. O resultado final ficou assim:

Não é minha obra-prima, mas para quem quis se aventurar num terreno que não tenho intimidade ou influência direta, acho que consegui ao menos chegar perto do que queria. Mas essa opinião tenho que deixar para as mulheres. Ou melhor, meninas. :)

Em tempo: Ética no Aurélio é "o estudo dos juízos de apreciação que se referem à conduta humana susceptível de qualificação do ponto de vista do bem e do mal, seja relativamente à determinada sociedade, seja de modo absoluto". É muito fácil falar de ética, de ter respeito ao profissional, ao cliente. Possuir moral, cidadania.
Mas a verdade é que nesse meio (e em outros muitos, claro), conta-se nos dedos quem realmente faz questão de agir de forma correta. Se ela só fosse fazer o trabalho direito, ainda vá lá, mas é muito mais do que isso.

Quando estava no colegial (fiz técnico), um dos professores mais respeitados deu como última aula do ano uma explicação de como devemos nos comportar como profissionais. No fim da aula, ele disse três coisas que devemos ter para sermos bem sucedidos e nos consolidarmos como excelente profissionais: honestidade, honestidade e honestidade.
Eu nunca mais esqueci isso.

Retrato - Ilustração Vetorial + Referências Clássicas

2009-09-28T15:30:00.000-07:00

Há algumas semanas atrás eu fiz o retrato de um casal que ia comemorar sua Bodas de Prata. Eles gostaram da versão digital que eu fiz de um casal e queriam uma semelhante, mas colorida.

Há tempos venho querendo desenvolver uma "evolução" para esse tipo de traço e achei que essa seria uma ótima oportunidade de fazê-lo. Minha base de referência para a produção foram os "panneaux décoratifs" do Alfons Mucha (1860-1939). Nessa oportunidade, como não poderia fugir do que me foi pedido, resolvi então não "viajar" muito pra não perder a proposta de estilo da arte que foi escolhida para ser a verdadeira referência.

O resultado pretendido foi na verdade uma "mescla" saudável do estilo original com as tendências de traços mais caligráficos. Eu só não sabia que isso seria complicado. :)

Abaixo dá para conferir como foi mais ou menos o passo-a-passo de todo o processo. O tamanho do arquivo talvez não permita ver com clareza, mas houveram algumas alterações, principalmente no rosto da esposa, ao longo da produção da ilustração.

O casal me passou várias fotos para referência, que foram tiradas a longo desses 25 anos juntos. E como a fisionomia muda com o tempo, quis fazer um apanhado de todas elas e mesclar essas fisionomias em uma só. A verdade é que por se tratar de uma ilustração eu tinha o direito de explorar o que uma foto não poderia. Não sei se vou conseguir explicar o "insight" que tive, mas eu queria manter os traços de personalidade deles de uma foto usando os de expressão que apenas fossem necessários para manter a semelhança dos rostos. Como complemento da base de "Mucha", fiz alguns arranjos florais ao redor dos rostos. Mas nada muito excessivo ou pesado.

Eu tentei ser bem detalhista em alguns momentos para justamente seguir as referências de Mucha, mas eu não ia poder me perder muito nisso, até mesmo porque a impressão da ilustração não passaria de um A4. Pintei no Photoshop e usei cores suaves e um pouco dessaturadas para valorizar o traço.

Só queria ter tido um pouco mais de tempo e até liberdade para explorar esse estilo, mas a verdade é que duvido muito que conseguiria ter agilizado isso mais se eu não tivesse uma tablet. 85% desse desenho foi usando as ferramentas "pincel" e "lápis". E usá-las só no mouse tava me dando uma bela dor no punho...

Uma vinheta diferente

2009-08-17T09:30:00.000-07:00

O novo site do estúdio tá no ar. Na verdade não é novo em design, mas em conteúdo.
De madruga, depois de muito trabalho, finalmente está tudo ok.

Da parte trabalhosa, destacam-se as ilustrações para cada seção. O grande desafio era criar uma vinheta que abordasse o tema e tivesse um destaque qualitativo, já que seria a primeira arte a ser vista.

Das que criei, separei uma para o blog que achei interessante. Não é a mais critiva, nem a mais trabalhosa, mas o diferencial é com relação ao estilo. Conversando com o Flávio para bolar alguma coisa, tive a idéia de criar uma idéia objetiva para o sisudo tema "Institucional". Em contrapartida, ele me sugeriu fazer um traço mais diferente, um estilo de cartum mais sujo, inspirado em algumas publiações editoriais norte-americanas.

Primeiro de tudo, o desenho tinha de ser mais estilizado, exagerado. Fiz um casal meio esticado, para aproveitar melhor o espaço vertical que ia ser publicado. E por incrível que pareça, o dificil mesmo foi criar um estilo "sujo" na arte-final.
Faz muito tempo que eu condicionei meu traço à "perfeição", a você fazer sempre tudo certo, corrigir falhas. Mão firme, pincel afiado.

Ao contrário do que pode parecer, eu tive muita preocupação com o acabamento. Eu fiz antes uns testes a parte e depois escolhi com eu queria seguir. E não cheguei simplismente e soltei, fazendo de qualquer jeito. O traço tinha de ter um estilo, uma definição. Precisava, mesmo sujo, haver uma certa homogeneidade.

Usei um pincel descartável, o que complicou o trabalho, pq eu precisava criar a "plasticidade" do pincel natural, de pelos e com nanquim. E o pincel descartável tende a ser sempre mais certo, contínuo. Mas essa é a idéia de praticar o traço antes, pq resolvi já nessa etapa como posicionar e trabalhar a mão.

Para a cor, usei uma paleta dessaturada e um pincel digital que fosse áspero e sujo como o traço da arte. Nesse caso, a alternativa era pintar rápido e preciso, para o photoshop não criar uma "massa" de tinta e perder a textura.

Bom, o resultado foi esse abaixo:

Como disse, não é um trabalho de excelente primor, mas serve para mostrar que todo trabalho, por mais "solto" que ele se mostre, deve ser feito com cautela e utilizar de técnicas fundamentadas. O conceito carrega isso tudo.

Desculpas pelo delay da postagem. Mas o importante é que tem coisa nova. :)
Na próxima, quero voltar a discutir um pouco sobre o mercado de ilustração, dar outros toques. Percebo que as vezes tem muito ilustrador novo ou "candidato à" que passeia por aqui.

Grande abraço a todos. E 'bora pra prancheta!

"Enjoy Music": etapas e conceito da produção

2009-06-02T09:01:00.000-07:00

Não sei se é do conhecimento geral, mas criatividade tem várias definições. Desde originalidade da idéia até uma produção física inédita. Eu particularmente aceito todas sejam elas complementares ou agrupando-as.

Já o processo criativo é algo que depende de fases, mas mais do que isso, eu analiso como um consumo total da união inspiração-transpiração. E não falo do tamanho físico do resultado final ou da complexidade do mesmo. Pensando assim você pode, por exemplo, considerar qualquer objeto que se encaixe nas definições de criatividade tranquilamente como um produto de um processo criativo. Vejam as invenções: elas têm tamanhos e utilidades variadas, cada um com seu valor, mas resultado da idéia (inspiração) e da execução (transpiração).

Bom, passando essa pequena introdução, eu quero falar da arte que eu publico aqui hoje. Quando pensei em fazer esse desenho, a primeira coisa que me veio na cabeça não foi fazer algo pretensamente inédito em ilustração, mas algo que eu nunca havia feito, um tipo de arte que eu nunca havia trabalhado ou criado. O start foi um tema que aprecio muito: Música. Até então eu tinha feito alguns rabiscos apenas ou ilustrações que puxassem esse tema, mas nada realmente trabalhado, envolvido.

Eu fiz três modelos de layout, cada um com sua particularidade, mas em todos eu queria fazer uma situação onde uma pessoa estivesse apreciando música e todo o conceito se desenvolvesse usando esse pretexto, deixando-o bem explícito. Como disse, eu nesse caso tentei me importar mais com a produção da cena em si do que qualquer originalidade da obra, a não ser pelo fato de que a produção dela seria original para mim.

O primeiro passo foi desenvolver uma ilustração que até então eu queria encaixar como estampa do personagem. Se ela ia à frente, costas, não interessava. Assim que a ilustração da garota foi feita e eu resolvi que iria numa jaqueta para ter um destaque relevante, minha intenção foi ilustrar de forma que fosse mesmo interessante aquilo ser aplicado num tecido.

Trabalhei e detalhei a arte como uma estampa comercial. No caso da estampa, quis embutir alguns conceitos que não deixassem um vazio na garota e que também caminhassem com a idéia da apreciação musical. Como o rapaz ia estar de costas e o fato de ele estar ouvindo um mp3 player não ficasse tão visível, esse conceito ia estar – mesmo que subjetivamente – anexado na estampa. Os círculos nesse caso representam as ondas sonoras se propagando. Lembrei do logotipo da marca “Gradiente”. Para equilibrar melhor e ajudar na composição, o arco externo tem símbolos musicais, clipes de objetos sonoros e referências visuais que tem a ver com música. As únicas letras que aparecem soltas escrevem, esporadicamente, “Enjoy Music”, o título que dei para toda a obra.

Como já tinha deixado o destaque conceitual para a estampa, guardei a técnica para a ilustração. Quis fazer uma alusão à colagens, como se fosse algo de um certo modo “artesanal”, imaginando que eu fosse “recortar e colar”. Os logotipos, por mais que não estejam perfeitamente alinhados horizontalmente, seguem uma linha cronológica do tempo, tendo como grupo inicial os Beatles. Usei bandas que deram sua contribuição à algum estilo, destaque na mídia ou que eu simplesmente gosto. Na escolha delas, não me apeguei tanto, pois não queria que lá ficasse a “grande sacada” de tudo, mas sim o contexto geral de todo o desenho.

Para a parede, eu de início pensei em fazer um grafite ou qualquer coisa parecida, mas com certeza isso ia poluir demais a arte e todo o conjunto ia se perder. Por esse motivo, usei uma imagem-textura e trabalhei nela digitalmente mesmo, inserindo apenas uns símbolos que usei prontos, só manipulando-os para não haver muita distinção no visual. A arte finalizada ficou assim:

O maior objetivo da produção dessa ilustração era mesmo uma ousadia pessoal. Fazer algo que nunca havia experimentado fazer, mas que já possuía domínio tecnicamente falando. Ou seja, algo que eu soubesse teoricamente, mas que nunca havia colocado em prática. Considero criativa essa ilustração, por que eu mesclei elementos até então inéditos para mim e precisei resolver a idéia de maneira que eu transpusesse qualquer problema que surgisse e parecesse interessante independente dos clichês que fossem expostos.

Encerro essa postagem com uma frase do eternizado Andrew Loomis, que para mim significa muito e teve uma parte dela nessa ilustração: “Não há ´dom` ou talento tão grande que dispense a necessidade do conhecimento fundamental, prática muito diligente e esforço árduo.”

Ou seja: não adianta se todos falam ou você acha que possui um talento extraordinário, um dom supremo e deve usufruí-lo como se fosse a última bolacha do pacote. Se você não estuda, desenvolve-se ou sua a camisa, esqueça. Os obstáculos sempre vão existir e cabe somente a você medir o tamanho do problema e da dificuldade.

Até o próximo post (que prometo não demorar muito).

Reforma ortográfica não é chata

2009-05-11T12:15:00.000-07:00

A integração entre texto e imagem é – em minha opinião – uma das funções principais da ilustração, até mesmo pelo fato desta muitas vezes tornar-se mais importante que o próprio texto.

Dentre os trabalhos que costumo fazer encontra-se produzir ilustração para alguns textos sobre gramática e ortografia em geral. Textos dessa natureza são geralmente maçantes então, quando você se dispõe a fazer uma arte para acompanhar regras e normas da língua portuguesa, “quebrar o gelo” e atrair a leitura tornam-se objetivos fundamentais para o bom resultado do seu trabalho.

No case que vou apresentar nesse post, a empresa ia publicar uma seqüência de textos online sobre a reforma ortográfica. Como ia ser uma “mini-série”, achei interessante fazer como primeira arte uma espécie de “abertura”. Então fiz um layout bem simples para visualizar a idéia, que depois de aprovada, foi esboçada e então concluída.

Quando o tema foi concluído, a sugestão partida da cliente foi para simular uma “inauguração” da palavra “Ortografia”, já concluída. Logo, essa arte acabou servindo como um gancho para a próxima. Seguem as imagens:

A ilustração foi publicada na web num tamanho um pouco menor que este e bastante limitado. Então a arte-final acabou comprometendo-se um pouco, já que eu não poderia detalhar demais os personagens. Dessa maneira, a preocupação ficou voltada para as cores e o quanto definido estariam as cenas, para que o conjunto da arte fosse percebido.

A criação de uma arte que possa estimular uma continuação, como foi feito nesse caso, pode ser uma ótima sacada comercial, já que você permite que a próxima idéia nasça pronta e você cuide apenas da execução. Por esse motivo, aproveitar alguns personagens foi imprescindível para que ambas as ilustrações se completassem. Sem contar que eu tive de usar as mesmas cores também, para que essa ligação fosse feita com muito mais facilidade pelo leitor.

Aliás, a cena final entre o engenheiro e o arquiteto dando as mãos me faz lembrar que toda essa arte foi feita com colaborações. Mesmo eu cuidando de praticamente toda a arte, em nenhum momento eu fiquei com ela só em minhas mãos. Trabalhar em equipe traz inúmeras vantagens e torna seu trabalho muito mais profissional.

É uma pena que nem todos tenham esse espírito de união. Faz muito tempo que eu não vejo vantagem alguma em produzir sozinho ou dentro de casa. As pessoas ainda não perceberam que para um crescimento profissional, sair da tal “zona de conforto” é algo obrigatório. Como disse o ator Will Rogers uma vez: "De vez em quando é preciso subir num galho perigoso, porque é lá que estão as frutas".

Senhoras e Senhores, conheçam: ERIK LARSEN

2009-04-29T14:22:00.000-07:00

Além de simplesmente expor trabalhos pessoais, minha intenção com esse blog é a de mostrar um pouco do processo e até mesmo acabar por orientar ilustradores que estão iniciando no mercado, ou pretendem se envolver mais com técnicas e mercado.

Não tenho décadas de experiência. Das últimas gerações de ilustradores, eu fico mais ou menos no meio-termo. Eu sou da turma que aprendeu as técnicas tradicionais, mas quando saiu pro mundo, encontrou um computador pela frente. Acredito então que alguns conselhos que pretendo dar aqui para os que começam serão bem compreendidos.

Exclusivamente nessa postagem eu não vou me prolongar muito falando sobre mercado, por que não é a intenção dessa vez. Quero falar de resgates de valores que só tendem a acrescentar conteúdo a quem está iniciando. Para ser mais preciso, quero falar sobre ilustradores, desenhistas e artistas em geral que me influenciam ou me inspiram e porventura podem também servir de inspiração para alguém. Por que, quem são, o que fazem e o que podem acrescentar para quem quer saber mais sobre técnicas, estilos e o que mais vier.
O “primeiro convidado” não é alguém majestoso ou de grande destaque na opinião de muitos que adoram quadrinhos, mas seu estilo e filosofia foram suficientes para influenciar meu estilo e até minha técnica para desenho.

Erik Larsen é desenhista e roteirista de quadrinhos estadunidense (ou norte-americano). Teve sua estréia profissional em 1983 com Megaton, de Gary Carlson, mas seu trabalho de grande destaque foi quando substituiu Todd McFarlane na produção de Homem-Aranha, em 1990. Eu comecei a acompanhar o trabalho dele em 1994, época em que eu estava muito interessado em adquirir um estilo para “comics”. Eu devorei informações e materiais que continha seu trabalho. Como ele já havia fundado a Image comics, fui atrás de acompanhar seu trabalho pessoal: a série The Savage Dragon. Como tais HQs não tinham publicação nacional, eu importava as revistas para ter acesso ao material que Larsen estava publicando.

O resultado é que fiquei um fã do Dragon (a ponto de hoje ter a tatuagem do logo nas costas) e fui influenciado diretamente pelo seu estilo. Erik é autodidata e sua noção de anatomia, composição e perspectiva são ótimas. Tudo isso aliado ao seu estilo solto e rápido, o que confere a ele a habilidade absurda de produzir de 2 a 4 páginas por dia!

Antes que qualquer um critique o fato de ele não ser um “bom exemplo” para ilustração por produzir quadrinhos e não ser “aquela” sumidade, eu o destaco não só pela técnica em si, mas pelo fato de ele sempre ser aberto com seu processo de criação. É bem comum encontrar sketches e esboços de seus originais no meio de suas publicações e comentários sobre o material que usa. Larsen além de tudo é um defensor árduo das Hqs clássicas. Aliás, ele tanto o é que ainda acredita no trabalho artesanal. Não sei as quantas anda hoje (já parei a algum tempo de acompanhar seu trabalho, infelizmente), mas até o seu letrista fazia tudo manualmente! Digital mesmo, só as cores da revista. Não podia esperar outra coisa de um cara que abdica sua posição de editor pelo simples fato de priorizar mais o trabalho como desenhista.

Não vou mais a fundo sobre seus trabalhos, por que eles se concentram mais em quadrinhos e ele pode até não ser um referencial mesmo nesse mercado, mas só do fato de ele ser um amante das técnicas artesanais, dos valores tradicionais dos quadrinhos e até desenho – além de possuir um enorme carisma -, já serve como um grande exemplo aos que compartilham da mesma paixão. E sim, o trabalho dele me conquistou mesmo.

Criação de Personagens

2009-04-17T06:17:00.000-07:00

Há alguns meses vem se discutindo alguns projetos no Estúdio Tris.
A ilustração que segue abaixo foi feita para ser anexada numa das páginas do site do estúdio que está passando por reformulações.

Durante a produção dessa arte eu senti a necessidade de falar algumas poucas palavras sobre a concepção de um personagem e até colocar um “singelo” passo a passo que montei para servir de exemplo.

Comercialmente falando, é imprescindível que um ilustrador que deseje trabalhar com criação de personagens tenha todos os pré-requisitos necessários para a produção. Deve-se estar intimamente familiarizado com experimentação e representação gráfica, model sheet completo (incluindo o cânone e módulos de construção e aplicação de corpo e rosto), isso sem contar os testes de composição. Como se não bastasse, o bom profissional tem a obrigação de saber produzir style guides até mesmo de personagens já criados onde seu desenvolvimento não foi bem explorado, além de apresentar propostas alternativas na pós produção, como dar treinamento e suporte em caso de um buy-out onde o desenvolvimento fique a cargo de uma equipe interna, por exemplo.

Isso tudo foi para citar o básico nesse processo, mas ainda assim existem ilustradores no mercado que desconhecem metade disso. Com a concorrência atual, você “desenhar bem” é só mais um item. O diferencial está muito mais além.

Hoje devemos estar impecáveis (em todos os sentidos) na hora de divulgar nosso trabalho, nos expormos, mostrarmos serviço e – sem dúvida – como agirmos para escolhermos nossos clientes. Os defeitos que compõem grande parte dos ilustradores (seja ele profissional ou não) são os mais diversos: medo, inexperiência, falta de visão, egocentrismo, entre outros. Isso além de ser péssimo pessoalmente, não agrega nada de valor no futuro.

Viver como ilustrador hoje é simples assim: ou você acredita na profissão ou não. Se você faz parte da turma do “não”, você está perdendo seu tempo lendo isso e ta na hora de você buscar outra saída rapidinho, a não ser que você sinta tesão em viver na miséria a vida toda. Se você está na minha turma, trate de desde já começar a rever seus conceitos e dar um olhar mais crítico para tudo o que você tem feito seja na sua arte, seja na sua postura, seja com suas pretensões. Leia mais, estude mais. Sua arte é fenomenal? Ótimo. Aprenda a vendê-la. Vá a seminários, palestras sobre negociações. Faça cursos, compre livros e mais livros sobre marketing, por exemplo. Essas etapas estão impecáveis? Então ouse. Saiba onde agir (adoro essa palavra) e com quem.

Eu encerro essa postagem dando o meu adeus para essa linha de publicação do Blog. Até hoje mostrei alguns desenhos, meu estilo, um pouco de minha arte e versatilidade. A partir dos próximos posts vou “começar pra valer” a mostrar meus trabalhos e falar um pouco mais sobre o verdadeiro diferencial do ilustrador que é a criatividade. Vou mostrar como estou explorando minhas idéias de modo comercial e onde é que se sai ganhando. Algumas ilustrações ainda serão publicadas, mas não mais com a mesma intenção que eu venho fazendo. Em breve publico um material que já está saindo do forno: a “revitalização” da “Nossa Turminha”, criada originalmente em 1992. Até lá.

Ilustração Vetorial: Quando o papel encontra a tela

2009-03-30T13:12:00.000-07:00

Hoje resolvi mostrar um trabalho de ilustração que gostei muito de fazer. É um trabalho "pessoal" digamos, mas que resolvi me dedicar muito, pois são pessoas que possuo um extremo carinho, além de servir como uma "test-drive" para estilo e portfolio. Vamos lá:

A ilustração a seguir é do meu primo Fábio e sua esposa, Ligia. Fui padrinho de casamento dos dois e eles me pediram para que eu fizesse uma ilustração para um quadro onde este ia ser exposto na frente para a recepção e assinatura/dedicatória dos convidados. A arte é essa abaixo:

Nessa época - meados de 2008 - eu estava "brincando" com técnicas, experimentando meus traços, softwares, enfim, explorando todo o conhecimento que eu tinha em mãos. Quando me foi pedida essa arte eu perguntei se podia fazer num estilo que eu estava há algum tempo praticando, o de ilustração digital/vetores.

A minha maior intenção - e desafio - na ilustração digital era de passar todo o meu estilo gráfico para o trabalho com as ferramentas que o software dispunha. Até então eu já tinha fuçado bastante, feito várias experiências até com sucesso, mas não tinha chego no meu principal objetivo: "imitar" meu traço à mão.

Criar uma identidade para seus desenhos é uma coisa imprescindível. Por mais versátil que seja seu trabalho, por mais diversificada que seja sua área de especialização, olhar para uma obra e saber que aquilo é seu, que é algo que você desenvolveu sozinho, é muito importante.

Mas continuando, a ilustração foi um tanto trabalhosa. Enquanto o computador nos dá muitas vantagens, as desvantagens não são desprezíveis. E eu contava com um fator consideravelmente negativo na época: eu NÃO tinha tablet (mesa digitalizadora). Isso quer dizer que toda essa ilustração em vetores que você está vendo foi feita NO MOUSE. E sim, enche o saco.

O trabalho foi feito no Adobe Illustrator CS3 e teoricamente é simples: você usa uma foto para referência simulando uma mesa de luz; abre layers para traços; abre layers para sombras. Trocando as etapas em "miúdos", fica mais ou menos assim:

É claro que na prática a conversa muda. Como o meu desafio era achar uma identidade pro meu desenho à mão, o segredo então era justamente olhar para o monitor e imaginar o que eu faria se fosse no papel (já comentei isso no post da Ilustração da Heather) ou pelo menos que isso parecesse realmente um desenho.

A grande sacada é você delinear os traços com diferença de espessura e "pincelada", limitando-se a "riscar" apenas o que você traçaria se fosse copiar a ilustração para um papel. É óbvio que em todo o momento que eu estou dizendo isso também quero dizer: "sim, você precisa saber desenhar".

Outro fator importante é, além de deixar as "marcas das pinceladas", detalhar áreas como cabelo e fios por exemplo, para dar um toque "manual" mesmo na ilustração em vetores.

Alguns podem dizer "mas para quê tanto trabalho no computador se isso poderia ser resolvido com muito mais prática à mão". É tudo uma questão de objetivo, estilo e intenção. É como dizer "desenhe um pato". Eu tenho muitas opções para realizar esse desenho: realista, infantil, 3D... depende de como eu ou o cliente quer o resultado. Não tenha dúvidas de que se eu fizesse no papel ia ser mais rápido e ia ficar diferente. Não interessa se pior ou melhor. Interessa atingir o objetivo pretendido. E Nesse caso, o resultado pretendido era exatamente esse.

Gostei muito de fazer esse desenho. A recompensa moral também é válida, claro. Num casamento onde os donos da atenção são os noivos, você roubar um pouquinho para você ajuda também a validar a arte e o esforço.

Hoje, essa ilustração está numa moldura, pendurada na parede da casa de meu primo, rodeada de assinaturas das pessoas que ficaram boquiabertas por alguns segundos onde apreciaram - e valorizaram - minha arte.

Mais HQ - Oldie But Goodie

2009-03-27T12:34:00.000-07:00

Há cerca de 20 anos atrás eu comecei a colecionar HQs. Minha primeira aquisição foi "Capitão América nº 127 - Desmascarando o Carrasco". Mas na verdade meu primeiro contato com "super-heróis" foi um pouco antes, quando eu joguei pela primeira vez o Super Trunfo de heróis da Marvel.
Algumas semanas depois eu comprei uma cartolina e desenhei indiscriminadamente minha primeira série de heróis e vilões.
No meio desse bolo todo tinha um que levou o nome de "Swoog". Esse nome esquisito tinha uma história mais esquisita ainda, mas acabei levando pra frente.

Passa ano, eu adotei ele como meu personagem principal. Fiz algumas HQs (completamente amadoras e sem pretensão alguma), outras artes que inclusive entraram numa exposição com alguns amigos em 1996 e dei minha "última tacada" em 1998, quando ainda tinha intenção de levar ele e mais uma gama de personagens em alguam empreitada.

A ilustração que segue abaixo é uma das últimas que fiz do tal Swoog na época dessa empreitada e deixei inacabada. Até semana passada, quando resolvi fazer uma arte final nela e saiu assim:

Pedi pra Silvana que trabalha comigo passar uma cor digital (imagem da esquerda) e eu dei só um toquezinho de luz (imagem da direita) para concluir a arte:

Confesso que foi bem prazeroso e nostálgico fazer isso. Hoje - como eu já afirmei em posts anteriores - eu não tenho nenhuma intenção de trabalhar com o mercado de quadrinhos, mas não posso negar que devo muito do meu estilo e minha paixão pela ilustração aos meus anos carregados de muita ação e onomatopéias!

The Comic Sketch Book

2009-03-19T08:43:00.000-07:00

Um dos primeiros sketch books que eu fiz, no sentido de pegar umas folhas e só usar para fazer roughs e layouts, foi há pouco mais de 10 anos atrás. Como qualquer garoto que adora desenhar, eu sempre fui muito fã de quadrinhos. No meu caso, me interessava mais pelos quadrinhos de super-heróis. Já colecionei Capitão América, Hulk, Vingadores, Homem-Aranha e - minha maior coleção - The Savage Dragon.
Eu me identifiquei muito com o traço de Erik Larsen, por ele ter essa técnica mais rápida, fazer ótimas composições e movimentos, além de ter uma ótima noção de expressão, o que eu adoro.

O que está separado aqui são alguns esboços e estudos que fiz quando jovem. Especificamente esses são de um universo de personagens que eu criei. Todos com nomes, origens, personalidade e tudo mais. Eu achava interessante essa idéia de criar problemas pessoais nos personagens, tramas e algumas fragilidades, muito mais por ter lido Homem-Aranha do que Watchmen (que na verdade, nunca li inteiro).

Algumas dessas artes eu resolvi - ainda na época - dar uma "finalizada", com material próprio de sketch book mesmo, como caneta futura, ultra-fine, pilot, etc. Mas ainda assim não perdeu a cara de "caderno de esboços".

Esse estilo de desenho sempre me agradou. Hoje eu o evoluí. Dessa época o que eu tiro de positivo é a agilidade que eu ganhei ao fazer uma ilustração, que levando-se em conta a produção de layouts paar agências é bem válido. Mas eu não tenho mais alguma pretensão em trabalhar com quadrinhos ou algo parecido. Não que eu tenha jogado meu tempo fora, muito pelo contrário. Essa época foi deliciosa. Eu desenhava o tempo todo e de forma apaixonante. Uma pena que algumas pedras no caminho me fizeram tropeçar e atrasaram minha carreira (é o que se ganha morando em uma cidade atrasada), mas o grande lance é você viver o presente, deixando o passado apenas como lembrança ou experiência.

E simbora que o mundo tá girando! Logo eu publico um esboço feito em 1998 que eu resolvi finalizar esse ano.
Antes tarde do que nunca...

The Tablet Sketch Book

2009-03-17T14:43:00.001-07:00

Faz alguns poucos meses que eu adquiri minha primeira mesa digitalizadora, também conhecida como Tablet. Logo, concluam todos como que eu fiz minhas ilustrações digitais e vetoriais... :)

Desde então eu venho utilizando-a em tudo que faço digitalmente. Mas para "pegar a manha" no traço eu - sempre que posso - pratico numa espécie de "sketch book" virtual que eu criei.

Hoje eu já dominei essa ferramenta, o que me fez diminuir essa prática e resolver postar aqui. Eu tentei criar alguns "estilos" nos traços e dar uma cara de "Lay-out" para uns, de "arte final" para outros.

Esse é meu livro de esboços digital. Todos esses "rabiscos" são feitos com a caneta digital no Photoshop usando os pincéis lá disponíveis. Em breve eu publico aqui alguns que fiz "analogicamente", na famosa mão raçuda, com a diferença de alguns bons anos ao invés de semanas.

The Kid - arte final (versão editorial)

2009-02-18T12:46:00.000-08:00

Um pouco mais de um mês (e uns tópicos) atrás eu publiquei um trabalho meu chamado "The Kid" na versão "lay-out". Como prometido, eu fiquei de publicar a "arte-final" do mesmo aqui em breve.

E voilá!

Eu acabei dando uma cara editorial, mas foi bem proposital mesmo. O tratamento final foi influenciado por trabalhos de ilustração nessa área, o que eu realmente não tenho tanta "intimidade" digamos.

Eu ando bem exigente, pra não dizer pretensioso, o que faz com que eu ainda ache que esse trabalho (assim como outros que fiz e ando fazendo) não chegou no resultado final que eu esperava.
Quando eu imagino um trabalho que pretendo fazer eu costumo fantasiar a obra completa: lápis, cores, tratamento...
Logo, qdo não consigo obter esse resultado, acabo tendo que tomar umas medidas um tanto quanto "drásticas".
Mas não é o caso desse. Não ficou oque esperava, mas não disse que está ruim. :)

Anotem aí: lápis, pincel descartável e cor digital.

Rock Candy

2009-02-12T11:08:00.000-08:00

Ela era para ser uma garota toda manhosa, delicada... mas meu espírito rock'n roll não deixou. cada vez eu ia traçando (no sentido literal) no papel ela saia mais rebelde, mais "hard rocker".

O que eu estou publicando aqui é o terceiro resultado de cor dela. E acredito que definitivo. Eu gostei do primeiro, que saiu duotone e cheio de traços de reflexo pelo cabelo e blusinha. O segundo são as cores normais, com sombra e tal,. O terceiro tem a mão do Flávio do estúdio, onde foi trabalhada uma luz em foco no rosto (realçando o olhar) e eu completei com uma tatuagem no ante-braço.

Seguem os resultados na ordem:

A abaixo, a ilustração um pouco maior:

Mal pela demora de postagem... culpa das turbulências mentais e crises de criatividade.
:)

Em breve quero publicar aqui um modelo de storyboard. Stay tuned.

Oldies But Goodies

2009-01-28T06:01:00.000-08:00

Em meados de 1998 eu conheci o arquiteto Lauro Pinotti em uma aula preparatória de vestibular, para prova prática de arquitetura. Naquela época eu estava desenhando compulsivamente e bastante focado em quadrinhos de heróis. Claro que minhas pretensões eram limitadas, mas eu tenho um certo carinho por esse período por que acho que foi um dos últimos momentos da minha vida em que eu "filosofava" ilustração. A paixão sobrepunha a profissão e muito do que eu fazia eu colocava extremo sentimento e experimentação.

Lauro era extremamente profissional no que fazia, adorava ilustração e era uma pessoa bastante interessada em novas mídias. Foi com ele que eu tive acesso pela primeira vez com HTML e construção de web-sites. Ele tinha um livro que adaptou o roteiro para cinema e veio me mostrar. A idéia era transformar em HQ impressa, oq posteriormente evoluiu para uma HQ online.

Uns 2 anos depois eu já tinha perdido o contato com esse projeto, mas resolvi construir uns exemplos de expressão corporal e facial - num estilo meio "sketchbook" - dos personagens que eu criei para esse roteiro, para ver se eu ainda lembrava deles. Todos estavam mais "evoluídos" no meu traço e achei empolgante eu ainda dar mais personalidade do q as ilustrações originais. Segue abaixo uma montagem desses desenhos (lápis, pincel e nankim):

Os projetos acabaram não vingando, mas muito mais de minha parte. Algumas edições o lay-out ficou ok e na online rolaram poucas artes. tentei retomar contato com o Lauro depois de uns anos, mas sempre surge algo que atrapalha ou impede. Curiosamente, meu trabalho de conclusão de curso foi uma releitura das histórias em quadrinhos para web. Acho que essa história do Lauro seria uma ótima proposta para publicação. Quem sabe quando eu encarar tocar de novo meu projeto e abstrair o trabalho que dá isso...

The Kid

2009-01-22T09:57:00.000-08:00

Essa ilustração foi uma das primeiras que fiz quando entrei para o Estúdio Tris. Eu estava praticando um pouco de desenho, traços, referência...
A foto original é bem pequena (aprox. 5cm x 7cm), então deu um certo trabalho para reproduzi-la em um A4, sem contar que eu estava definindo ainda o estilo da arte.
Eu acabei deixando de lado o esboço quando acabei e alguns dias atrás eu decidi retomar. Quero aproveitar que as coisas andam calmas por aqui e fazer algo diferente com esse desenho todo: quero em um mesmo desenho treinar lay-out e arte-final.
Segue abaixo primeiro a versão Lay-out... em tons vermelhos, com sombras e tudo mais.

Assim que terminar a versão "arte-final" eu publico aqui.

Mudando um pouco de assunto... vocês conhecem o game "Spore"?
É praticamente uma aula prática de concept art, exceto pelo detalhe que a EA fica com todos os direitos sobre as criações.

Tô pensando em quando terminar um planeta eu publicar a versão "desenhada" da minha criatura aqui. :))

Tira Big & Bill: passo a passo - da idéia à publicação

2009-01-19T11:04:00.000-08:00

Desde 2003 as tiras de humor "Big & Bill" são publicadas no Jornal de Piracicaba. A autoria delas é dividida com o desenhista, tatuador e amigo de longa data Bill Scarpitti. O nome dos personagens veio de apelidos que possuimos entre nosso círculo de amizade, além de algumas caracteristicas físicas para a criação. Vou deixar para contar a história toda em outra oportunidade. Hoje quero mostrar um pouco de como funciona o processo de criação da tirinha, desde a idéia até a arte concluída e publicada no Jornal.
Eu e Bill costumamos dividir algumas tarefas, mas essa foi um tira integralmente produzida somente por mim. Então, tomei a liberdade de mostrar o meu passo a passo (que não significa exatamente o passo a passo "oficial" da produção).

1. A idéia:

Sim, ela vem do nada, em qualquer lugar e por qualquer motivo. Vez ou outra preciso de uma inspiração, como ler algum artigo de humor, ver algum filme ou lembrar de alguma tira antiga que possa ser tomada como base de idéia. Ou simplismente vem como essa, onde eu sento, abaixo a cabeça, olho pro papel e deixo a mente borbulhar.

Esse papel acima é basicamente o rascunho principal. Muitas vezes eu tenho uma idéia pro primeiro quadro, deixo o segundo apenas guiar e faço o desfecho no terceiro. Como podem ver, a cena não mudou nada, mas houveram inúmeros rabiscos até achar uma frase que fechasse melhor a história. Algumas vezes isso acontece simplismente por economia de espaço.

2. O desenho:

Lapiseira, régua e (extinta) caneta Futura (sim, ainda temos um estoque aqui no estúdio). Já está suficiente

Nessas tiras e outras mais recentes eu tenho feito o esboço a parte e então finalizado em mesa de luz. Eu então digitalizo para o photoshop e monte numa "moldura" pronta que tenho salva no software. Isso poupa algum tempo, o que é interessante em tiras semanais ou diárias.

3. As cores:

Nessa tira eu ainda fazia as cores no mouse, usando os pincéis do photoshop. Desde o fim de 2008 eu já possuo uma tablet/mesa digitalizadora que é muito mais profissional e prática.

Não tem muito segredo. Pinto sem pretensões, usando o mínimo de referência de luz, sombra e cores que possuo. O importante é seguir o mesmo estilo de pincel em todas (Wet Media) e a palheta de cores dos dois.

4. Os textos:

Pode parecer simples, mas essa parte é onde eu costumo tomar muito cuidado para não comprometer todo o trabalho. Não adianta nada se uma tira for excelente e o cara não conseguir entender as letras pequenas ou acompanhar algum erro crasso de português. Sem contar que essa é última etapa. Faço no Illustrator e aí exporto para o Photoshop. "Simples" assim. O resultado final é esse abaixo:

Muito bem. Mais alguma dúvida?
Se precisarem de mim, estarei na prancheta fazendo a desta semana... :)

Teste de Layout - Briefing: Praia

2009-01-15T06:40:00.000-08:00

Esse post é sobre o último layout que eu produzi, mas o primeiro com o objetivo de treinar estilos e cores.
Uma das coisas essenciais de um lay-out é você poder resolver o briefing em poucas horas. Por esse motivo, é extremamente importante que você esteja familiarizado com as ferramentas do computador que irá utilizar, com o estilo de traço que irá seguir e principalmente com a composição.
Andrew Loomis em seu livro "Creative Illustration" apresenta várias formas de composição: baseada em linhas, letras e símbolos, formas geométricas além de outros princípios. O "esqueleto" primário desta composição deveria ser um "A" de ponta cabeça, onde o corte seria a linha do horizonte.
Para essa ilustração, Flávio Mota - outro ilustrador do Estúdio Tris - me ajudou com alguns toques. A maior dificuldade foi achar alguma lógica em todos os elementos dos personagens. Eles estão na praia, mas não necessariamente "estão" na praia, se é que me entendem.
Anteriormente eu dei uma palhinha da arte no estágio final, onde as pessoas já estariam prontas restando apenas o cenário de fundo. A arte abaixo é de como ficou o layout finalizado:

O cenário como foto-montagem serviu apenas de referência para a composição. Como o desenho dele ia ser feito a parte (assim como todos os outros elementos), preferi cuidar pelo menos da perspectiva e deixar os elementos complementares (montanha, coqueiros) para resolver no "olhômetro".
De embalo, tentei também resolver os tons e cores do fundo, mexendo no Photoshop mesmo. E se você comparar com o primeiro post, as cores dos rapazes da esquerda tiveram que ser refeitas, também para se adequar melhor ao fundo.
A ilustração foi feita a lápis, digitalizada, e colorida no PS CS3. Separei um detalhe abaixo para ter uma melhor visão dos traços e do estilo de pintura. Vale reforçar que a cor do casal e da moto foi feita no mouse e a do fundo na minha nova tablet.

Como "treino" foi considerável. Infelizmente o resultado não saiu exatamente como desejei. não cheguei no estilo que estava afim de obter e ainda preciso achar um acabamento um pouco melhor para esse "rough". Mas eu fiz em partes, de pouco em pouco, durante praticamente um mês. Acho que se fosse fazer direto, demoraria uns 2 dias, o que é inaceitável para um layout. Mas como prática... sim, é válido, já que nesse tempo todo eu tive que fazer uma bela busca de referência, fui fazendo testes e experimentando estilos e técnicas.
Se eu fosse repetir essa arte igualzinha agora, acho que em uma tarde ficaria pronto.

Próxima atualização deste blog: "Big & Bill" e um básico passo-a-passo. Até lá.

Ilustração vetorial: Passo-a-passo - Heather

2009-01-08T09:13:00.000-08:00

A vantagem de possuir uma habilidade de desenhar "na mão" é bem relevante quando você vai para um software no computador. Ao menos pra mim, a impressão que dá é que as coisas se resolvem com mais facilidade.
Seja usando o mouse ou uma tablet, a primeira coisa que penso quando uso uma ferramenta do Adobe Illustrator (meu programa preferido de ilustração vetorial) é: "Como eu faria se fosse no papel?". Particularmente, quando comecei a resolver as ilustrações digitais dessa forma, consegui transmitir muito do meu estilo "analógico" pra dentro do computador e isso pra mim foi o máximo.
Eu não sou fã de fazer um passo-a-passo ou tutorial, muito mais pela mão de obra que dá. Mas como esse deu um certo trabalho e eu estava separando as imagens iniciais, resolvi publicar aqui as etapas da minha última arte vetorial.
Raramente eu faço isso com ilustrações no computador, mas pra essa eu tive uma espécie de "visão" e eu considero nesse caso um "lay-out" uma Etapa Zero. É onde tudo começa... da cabeça pro papel:

Lay-out (esboço da idéia inicial):

Nesse caso eu imaginei uma cena bem erótica, mas nada com nudez explícita, onde a cena ia ser composta por arranjos florais e outros objetos abstratos.

Meu primeiro passo a partir daí foi transformar isso numa arte digital. Busquei no meu banco de imagens uma cena que se parecesse com essa e achei uma praticamente igual, a não ser pelo fato de que a mulher ia estar completamente exposta. A modelo chama-se Heather e resolvi usar a cena do jeito que está na Primeira etapa:

Etapa um - vetores e delineações:

A referência é a imagem número 1. A maior dificuldade quando se trabalha dessa forma é ir descobrindo o que você delineia e o que realmente você quer desenhar. É só notar a variação das formas do corpo da modelo na imagem 2 para a imagem 3. As formas foram adaptadas do original para dar um corpo mais "sexy" e ousado. Na imagem 4 eu tive que usar um pouco a "imaginação": na foto original, os pés eram cortados. Eu precisei esboçar no Illustrator mesmo um pé sem nenhuma referência. É trabalhoso, principalmente pelo fato de eu só ter usado MOUSE em toda a digitalização(ainda não trabalhava com Tablet), mas o resultado final me agradou.

A partir da ilustração da modelo concluída, o passo seguinte seria elaborar um fundo/composição para a arte. Eu tenho um banco de imagens e fontes vetoriais que era perfeito para ser usado:

Etapa dois - Composições:

Pode parecer fácil, mas a grande dificuldade de você usar shapes soltos é que eu precisava criar uma espécie de "massa" de imagens sem que ficasse exagerado demais ou destoasse da ilustração. Outro fator que dificultou foi que eu resolvi não fazer a manta de seda da foto original e eu queria preencher esse "buraco". Foram horas e montagens e acabei chegando numa composição bem razoável. Não ficou exatamente como eu queria, mas aí era cargo do cenário de fundo.

Busquei uma imagem para compôr o cenário de fundo. Caso não achasse, ia ter que acabar fazendo por conta mesmo, o que levaria mais tempo ainda e muito mais saco do que eu já tenho. É aí que vamos para a...

Etapa três e quatro - cenário de fundo:

Antes de completar com o background oficial, eu joguei uma camada de degradê radial para dar o efeito que queria quando mesclasse o fundo original.

A imagem (figura 9 e 10) foi baixada do site Stock.xchng. Uma ótima sugestão para quem quiser procurar imagens com royalty-free. Era perfeita para ajudar na cena. Só precisei revertê-la horizontalmente e deixar em tons de cinza para casar com as cores que eu estava utilizando.

Finalização:

Eu adoro trabalhar com camadas. Para fechar a arte eu usei o Adobe Photoshop. Como toda a arte no Illustrator estava separadinha e organizada em camadas, passar para o PS e editar foi muito prático.
Lá eu só mesclei e configurei a layer do cenário abstrato para que o fundo ficasse leve. Gerei mais alguns filtros nos traços e o resultado final ficou assim:

Eu comecei essa ilustração no começo de Dezembro e fui fazendo aos poucos. Hoje foi a conclusão. Tem mais umas 3 versões da arte e provavelmente eu ainda dê outras caras para ela. Essa é uma das maravilhas de se trabalhar no computador. :)

O excêntrico mundo de John K

2009-01-07T04:17:00.000-08:00

De sobrenome mais estranho que suas criações, John Kricfalusi, a.k.a John K, é um animador canadense pai da dupla Ren & Stimpy, animação famosa pelo seu humor subversivo, nonsense e violento. Motivos esses que resultaram na demissão de John K da Nickelodeon no começo dos anos 90.
A influência de John K ainda perdura. Até Bob Esponja bebe um pouco dessa fonte. Mas seus trabalhos posteriores estão longe do mainstream.
Dos que eu destaco são "The George Liquor Program" (1997), a primeira série de animação produzida em flash para a internet e "The Ripping Friends" (2001), produzida originalmente para a FOX, mas que também teve sua única série na programação do Adult Swim, do Cartoon Network.
O desenho abaixo eu fiz como uma espécie de tributo pessoal e para treino de um estilo que eu pretendo lentamente migrar e criar algumas coisas sob influência visual.

A ilustração não tem muita pretensão. O lápis é de John K de uma cena do episódio "Cans Without Label" do George Liquor. O personagem em questão é Earnie. A arte final eu fiz no Adobe Illustrator, usando tablet e mouse e seguindo meu estilo. As cores não são as oficiais do Earnie. Foram sugeridas e coloridas por mim também no Adobe Illustrator e o fundo foi de criação minha, inspirado nos desenhos animados que assistia (referência de cabeça mesmo... rs).

Como sugestão por tabela, sugiro que dêem uma olhada no emprego das cores e estilo retrô de Shane Glines (responsável por muitas artes finais de John K).

Como palhinha, separo um episódio (em inglês) de "The Ripping Friends". Observe o detalhe da arte, do movimento e expressão dos personagens. John K dá uma bela de uma aula de animação de impecável qualidade em poucos minutos.

Que venha 2009

2009-01-05T12:31:00.000-08:00

Não quero usar a mesma ladainha de todos, dizendo que esse ano promete ou descendo aquela lista de resoluções para 2009. Mas no que se diz respeito a ilustração e novidades, esse foi o ano escolhido por mim para se dedicar a isso. Motivo esse que me fez criar o Blog no final de Dezembro, mas só publicar algo agora.

Começo com algo básico, mas apenas para mostrar minhas intenções aqui e ir "educando" quem se interessar pela página. Esse é um lay-out "fantasma", que foi criado para fazer experimentos e testes de estilo. Esse tipo de ilustração deve ser feito rápido, com traços simples e usando cores ou não, onde o objetivo é apresentar visualmente ao cliente determinada idéia. O fundo é uma foto-montagem. Como o processo ainda está em andamento, eu costumo fazer isso para ver se a referência vai ficar legal. Se rolar (como nesse caso), vou para a prancheta e faço a mão, incluindo outros itens no cenário. Nesse caso, talvez role um calçadão e coqueiros, além de mais montanhas ao fundo e a sombra de todos os que restam. Chequem a imagem abaixo:

Como a grande maioria dos blogs, esse foi criado para material exclusivamente meu: pessoal e profissional. Erros e acertos. Novidades e velharia.

Inicialmente, pretendo expôr meus trabalhos, minhas criações, falar um pouco sobre ilustração e outras áreas de meu interesse.

Mas a última coisa que quero fazer é falar que bolo comi ontem e a última da vizinha. Se você se interessa por quadrinhos, ilustração, design, criatividade, humor, boa música e filmes, assim como 2009, você é muito bem-vindo.

Grande abraço para meus incentivadores pais e irmãos, meus amigos que curtem minhas artimanhas, minha baixinha e para a equipe do Estúdio Tris.

Visitem meu portfolio e de outros talentosos ilustradores no website do Estúdio Tris